Womens in Media Arts base de datos online de Ars Electronica

El proyecto Ars Electronica ha creado una base de datos de llamada “Women in Media Arts”.

“La idea de crear una base de datos sobre las mujeres en las artes mediáticas ya se había propuesto hace unos años como un medio para buscar específicamente a las artistas mujeres mientras organizábamos nuestras exposiciones y conferencias. La primera fase consistió en recuperar los datos de nuestros archivos -en su mayor parte manualmente-, por lo que tomó un tiempo comenzar realmente la fase de implementación. Después de nueve meses de investigación en viejos catálogos, programas y sitios web de festivales, estábamos dispuestos a presentar la primera versión públicamente accesible de la base de datos en el Ars Electronica Festival 2016.” Florina Costamoling directora del proyecto.

Lo bueno de la base de datos es que se va alimentando de nuevas entradas provistas por otros festivales o por las propias artistas. Así mismo se puede corregir o ampliar la información de una artista determinada.

¿Cómo introducir una nueva artista en la base de datos?

Es simple, hay que registrarse en el sitio http://womeninmediaarts.aec.at/register/ una vez registrado el sitio permita revisar otras entradas o crear una nueva entrada de artista, subir información como fotos y proyectos. La entrada debe pasar un proceso de revisión por parte de Ars Electronica, lo que lleva un tiempo, una vez aprobada la entrada aparece en el mapa central.

En un comienzo la base de datos proporcionada por Ars Electronica era de 1.800 mujeres, pero este número fue creciendo lo que hace que Women in Media Arts sea una de las bases de datos más grandes del mundo sobre mujeres en artes mediáticas.

Antes de entrar los datos hay que tener un dato que no es no es menor, lamentáblemente la base de datos de Ars Electrónica se encuentra registrada con derechos de autor.

Sin embargo también vale aclarar que todos los contenidos subidos y compartidos en la base de datos quedan protegidos por derechos de autor.

Aquí el enlace a la base de datos: http://archive.aec.at/womeninmediaarts/

 

 




La historia detrás de las nominaciones para edición y mezcla de sonido 2017

Las nominaciones de los Oscars nos gustan más que la ceremonia. Allí los nombres de sonidistas, ingenieros de audio y músicos suelen girar de vez en cuando.

Nominaciones:

https://www.youtube.com/watch?v=tFMo3UJ4B4g

Nominada en las categorías:

Edición de Sonido: Sylvain Bellemare
Mezcla de Sonido: Bernard Gariépy Strobl y Claude La Haye

Arrival excelente película con un diseño de sonido muy interesante, que tiene como temática principal el lenguaje, la comunicación.

Con música de Jóhann Jóhannsson
Supervisión de la mezcla de sonido por Bernard Gariépy StroblClaude La Haye
La dirección de edición de sonido estuvo a cargo del canadiense Sylvain Bellemare. Es la primer película con temática de ciencia ficción para Bellemare.

En una entrevista al medio Deadline.com Sylvain comenta cómo se relaciona con los sonidos:

El sonido es una parte crucial del lenguaje cinematográfico. Mi enfoque siempre es que el sonido puede definir la narración, y definir la emoción que se desea compartir. El primer paso es realmente escuchar al director … y llevar las ideas al director. El sonido sigue siendo realmente una especie de visión subconsciente del mundo; a veces, es realmente difícil poner palabras en él. Si escuchas el sonido, entiendes lo que quiero decir, pero si sólo hablamos de sonido… necesitamos escucharlo. Es como si nuestro nivel de comprensión no viniera sólo de las palabras, son los sonidos -lo que nos acercan  a la película. La comunicación no puede ser sensible sólo con palabras y sonidos. Ella tiene que pasar por otro nivel, y ese nivel se alcanzará a través de una especie de conexión extraña. Ese nivel es el que en Arrival llevará a Louise a otro espacio-tiempo.

Respecto a su inspiración al ser su primera película de ciencia ficción,y la forma de encarar los sonidos comenta:

Mi experiencia viene de las películas experimentales. La ciencia ficción fue algo que en lo que hubiera tenido oportunidad de trabajar ya que,la mayoría de las veces, ese tipo de películas sólo se hacen en Hollywood. Había realizado algunos trabajos con anterioridad pero estaban más cercanos a lo experimental, donde se explora el sonido de una manera muy abstracta, donde el sonido es muy cercano a la música. Arrival fue una película en donde el horario fue muy ajustado teníamos que tener todas las ideas y el diseño en un corto período de tiempo. Afortunadamente, éramos un equipo grande y maravilloso que trabajó muy duro en las líneas de frente. Como otras películas anteriores, probamos una vez más que el sonido es hecho por un equipo. Y todos teníamos que estar allí.

Una de las cosas básicas que fue un éxito en Arrival fue la parte de la voz [de los extraterrestres], que se realizó con sonidos de animales vivos como camellos y pájaros y de otros componentes como una flauta maorí. Por otro lado, gran parte de la comunicación por radio también se hizo con dispositivos reales, así que tuvimos la oportunidad de trabajar con los dispositivos en lugar de con plug-ins. Fue un proceso emocionante, pero muy difícil. Algo especial que hacer.

(La entrevista completa “‘Arrival’ Sound Editor Sylvain Bellemare On First Sci-Fi Experience & Working With Denis Villeneuve To Craft An Alien Sound” puedes consultarla AQUI)


https://www.youtube.com/watch?v=8yASbM8M2vg

Nominada en la categoría:

Edición de Sonido: Wylie Stateman y Renée Tondelli

Deepwater Horizon, una película impactante sonoramente, que tiene como tema principal la plataforma petrolífera situada en el Golfo de México que se hundió en 2010 como resultado de una explosión que había tenido lugar dos días antes provocando el más importante vertido de petróleo de la historia.

“Nuestra meta fue involucrar el oído de la audiencia en los personajes, mostrar lo difícil y atractivas que la misión de la exploración petrolera puede llegar a ser. Después de todo, la historia del Deepwater Horizon no es tanto una historia de destrucción sino la historia donde muchas personas ponen en la línea la vida, la carrera y la integridad en busca de fuentes de energía difíciles de alcanzar” Wylie Stateman

Equipo de edición de sonido estuvo encabezado por Wylie Stateman y Renée Tondelli; quien estuvo a cargo del diseño de sonido y la mezcla fue Dror Mohar.

“El mayor desafío era diseñar y coreografiar el sonido de manera que sumergiera, pero no agotara, a la audiencia.
Los diseños fueron diseñados para describir las condiciones extremas a bordo de la plataforma, informar a la audiencia de la tecnología de perforación de petróleo y expresar los aspectos específicos y la magnitud de la destrucción.

En cuanto a la elección y colocación de los sonidos o su ausencia, el enfoque era doble: asegurar que los efectos sonoros nunca sobrepasaran la experiencia humana de la tripulación y articular claramente las implicaciones de las fallas mecánicas.

Uno de los retos fue crear espacio acústico, ya que la geografía de la historia ocurre en dos lugares muy aislados: en el fondo del océano, a cinco mil pies bajo el agua, y en la plataforma de perforación en medio del océano. Con el fin de expresar la escala, la velocidad y la distancia, parte del diseño favoreció el sentimiento sobre la exactitud del sonido.
En términos de la mecánica de la plataforma, necesitamos establecer los sonidos y la funcionalidad de los componentes de la plataforma en condiciones normales y más tarde bajo condiciones sobrecargadas. El sistema de navegación de la plataforma, los motores, los sistemas de bombeo y el BOP (blow out preventer) en el suelo oceánico debían establecerse y familiarizarse rápidamente con el público”. Dror Mohar para una entrevista con el blog A Sound Effect


https://www.youtube.com/watch?v=s2-1hz1juBI

Nominada en la categoría:

Edición de Sonido: Robert Mackenzie y Andy Wright
Mezcla de Sonido: Kevin O’Connell, Andy Wright, Robert Mackenzie y Peter Grace

Hacksaw Ridge una película bélica basada en la biográfica de Desmond Doss,  soldado pacifista del ejército estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial, quien era cristiano adventista del séptimo día y se negó a llevar o usar un arma de fuego o armas de cualquier tipo. Una película donde el sonido juega un rol narrativo fundamental; las emociones de un soldado pacifista en medio de una sangrienta guerra.

El supervisor de sonido y diseñador de sonido fue Robert Mackenzie  y el supervisor de edición y mezcla e ingeniero de grabación fue Andy Wrigth

Uno de los mayores desafíos de esta película fue la primera secuencia de la batalla que fue trabajada sonoramente desde muy temprano ya que, Mel Gibson (director de la película), quería determinar si la primera secuencia, que tiene una duración de 8 a 10 minutos, funcionaría emocionalmente con solo los efectos de sonido y sin ninguna música. Por lo que el equipo técnico de sonido tuvo que coreografiar toda la secuencia de la batalla con efectos de sonido, que incluían una multitud de explosiones.

“No es una película de acción. No es un documental. El desafío fue encontrar los sonidos que suenen realistas, pero brutales al mismo tiempo

A veces los sonidos exactos que se graban son poco impresionantes, por decir lo menos. Hemos tenido que manipular las grabaciones para adaptarlas a cada escena en particular y lo que está pasando en la escena. A veces quieres que las armas suenen grandes, impresionantes y peligrosas. Teníamos los cañones americanos sonando grandes y pesados, con mucha artillería y poder detrás de ellos. A veces quieres que suenen más pequeños y más precisos. En el caso de los cañones japoneses, sigilo preciso, precisión mortal “. Robert Mackenzie

Captar la perspectiva del espectador frente al campo de batalla era un componente fundamental a la hora de contar la historia, los sonidos cambian constantemente dependiendo del punto de vista del espectador que cambia constantemente, así es como si se están escuchando armas americanas a la izquierda y armas japonesas a la derecha, cuando se cambia de perspectivas, esos sonidos también cambian. Una de los elementos a los que se les prestó mucha atención fue en conseguir que los sonidos de las balas que zumbaban en el aire.

“Se realizó una proyección de la película en Los Ángeles para algunos soldados veteranos, y su comentario fue que el sonido de las balas silbantes y agrietadas sobre su cabeza era algo impresionante. No eran las imágenes gráficas, sino el sonido de las armas, los que les disparaba recuerdos. Se puso un gran esfuerzo en conseguir algunos sonidos de archivo reales para que fueran correctos para la época”.

El sitio Sound Work Collection realizó una video entrevista acerca de cómo fue realizado el sonido para Hacksaw Ridge

https://vimeo.com/191244884


https://www.youtube.com/watch?v=0pdqf4P9MB8

Nominada en la categoría:

Edición de Sonido: Ai-Ling Lee y Mildred Iatrou Morgan
Mezcla de Sonido: Andy Nelson, Ai-Ling Lee y Steve A. Morrow

La La Land un musical del género de la comedia romántica que tiene como particularidad que el equipo de sonido estuvo liderado por una mujer (cosa extraña en la industria) Ai-Ling Lee. La película está nominada a 14 Oscars y está considerada una de las mejores películas del 2016. No me gustan los musicales pero considerando el equipo que participó para la realización de sonido no se puede dejar de ver.

La realización de un musical supone todo un desafío para un director, principalmente en tiempo en los que los musicales no son el género más buscado.

La realización de un musical en estos tiempos supone un doble desafío para el equipo de sonido.

“El equilibrio entre el realismo cotidiano y un estilo MGM mejorado afectó la forma en que se grabaron las voces, cómo se registró el diálogo y cómo todo se mezcló. Tratamos de minimizar el moderno retoque digital. Queríamos que el sonido fuese lo más fiel posible a los tiempos analógicos. 

Para grabar la música reunimos a la orquesta de 90 músicos en un estudio y maximizamos el uso de los micrófonos ambientales. Usted puede obtener imperfecciones, por ejemplo si usted presta atención puede escuchar a un músico girar las páginas de la partitura. Decidimos abrazar esos sonidos debido a la calidez y la humanidad que se obtienen de ellos”.

Extrañamente aunque es una película donde el sonido es EL protagonista no se encuentran tantas referencias acerca de cómo se trataron los sonidos. Aquí una interesante reunión realizada en 2016 en el GoldDerby con distintos compositores y diseñadores de sonido entre ellos del equipo de La La Land:

https://www.youtube.com/watch?v=MQYtODyYUqo


https://www.youtube.com/watch?v=mjKEXxO2KNE

Nominada en la categoría:

Edición de Sonido: Alan Robert Murray y Bub Asman

 

Sully es un drama biográfico basado en la biografía de los pilotos Chesley Sullenberger y Jeffrey Zaslow quienes aterrizaron en 2009 un avión en el río Hudson en Nueva York sin que se produjeran daños personales.

El rol que juega el sonido en esta película es muy particular, transformándose en una de los protagonistas principales, desde donde se desenlaza la historia.

“Teníamos que hacer sentir al espectador como si hubiera esta en el avión.

Cuando se muestra un avión que está volando es un efecto completamente generado por computadora, por lo que una gran parte de hacer que que la experiencia se sienta realista es un buen soporte de sonido. Pero el Sully hubo un ‘gran problema’ al tratar de generar sonidos para un avión averiado : Tienes este jet gigante, y está roto, por lo que no está haciendo sonidos de jet.  Hay ciertos sonidos que la mayoría de las personas asocian con el vuelo, pero ¿qué hacer cuando eso es lo único que no se puede usar?” dice Tom Ozanich integrante del equipo de diseño y mezcla de sonido

Para encontrar los sonidos adecuados el equipo de sonido se reunió con  Chesley Sullenberger acerca de qué tipo de sonidos estaba escuchando al momento del aterrizaje y cuál fue su experiencia. Además se reunieron con varios pasajeros y les pidieron descripciones de cómo habían experimentado la situación, qué sonidos habían escuchado.


https://www.youtube.com/watch?v=frdj1zb9sMY

Nominada en la categoría:

Mezcla de Sonido: David Parker, Christopher Scarabosio y Stuart Wilson

Rogue One el primero de los films de la antología de Star Wars. Una serie de películas independientes que introduce una nueva serie de personajes, lugares e historias en la mítica Star Wars. Si hay algo que caracterizó a Star Wars fueron los sonidos, una marca inseparable de la historia del film. Como espectadores sabemos de memoria cómo suena la galaxia lejana. ¿Cómo se pueden consolidar nuevos sonidos sin aburrir a los espectadores?

En esta nueva serie muchos de los sonidos de las películas originales y de las precuelas se han tomado y adaptado para cambiar la forma en la que los percibimos a lo largo de la película. En particular los sonidos de las armas.  Un juego con las profundidad y capas que cuenta una historia detrás del armamento. Se trata de algo más antiguo, menos refinado que los blaster de la primera generación de películas y por lo tanto más modernos.

“El sonido tiene esa manera de llevarte subliminalmente, para conectarte con las cosas.Por eso no quisimos alterar mucho los sonidos” 


https://www.youtube.com/watch?v=jBFmlNfFwUw

Nominada en la categoría:

Mezcla de Sonido: Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush y Mac Ruth

13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi un film bélico biográfico del cual hay muy poca información respecto a cómo se ha realizado el sonido, pero que tiene como contra parte un equipo de sonido de grandes ingenieros en audio como el diecisiete veces nominado a mejor sonido por la academia; Greg. P Rusell.

https://www.youtube.com/watch?v=eHG_3xSKA_4




113 años y una ópera con recuerdos electroacústicos

En el diario se anuncia que la última vez que el Metropolitan Opera de Nueva York presentó una obra escrita por una mujer fue hace 113 años y que este 2016 esa situación se rectificará con el estreno de la ópera  L’Amour de Loin (El amor de lejos) de la compositora finlandesa Kaija Saariaho.

El tema ha salido en todos los diarios pero me gustaría abordarlo desde otra mirada, lo curioso es que la mayoría de periodistas que han escrito acerca del tema son hombres y eso de alguna forma me ha incentivado a escribir al respecto.

Comencemos este recorrido desde L’Amour de Loin, la obra. Ópera que mezcla sus raíces con la música electroacústica.

L’Amour de Loin es una ópera en cinco actos estrenada el 15 de agosto de 2000 en el festival de música y teatro de la ciudad natal de MozartSalzburger Festspiele” 

Basada en el poema “La vida es breve” en el cual los  juglares del S.XIII recrean poemas autobiográficos del trovador medieval Jaufré Rudel de Blaye. Llamado Príncipe de la villa de Blaye quien fue caballero de la corte de Leonor de Aquitania; reina consorte de Francia e Inglaterra y una de las mujeres más ricas y poderosas de Europa occidental durante la Alta Edad Media. Jaufré Rudel de Blaye estaba enamorado a la distancia de la Hodierna de Trípoli, condesa de Trípoli, de quien se decía que era muy bella pero a quién Jaufré nunca había conocido en persona; sin embargo le escribía largos poemas de amor.

Por mayo, cuando los días son largos,en mayo
me agrada el dulce canto de los pájaros de lejos,
y cuando me aparto de allí,
me acuerdo de un amor lejano;
voy de humor apesadumbrado y sombrío,
de tal suerte que ni la poesía ni la flor del blancoespino
me placen tanto como el invierno helado.

La leyenda dice que la condesa de Trípoli lo invitó para que la conociera personalmente y Jaufré fue a verla pero enfermó durante el viaje y murió en los brazos de ella. Ella, lo hizo sepultar con gran honor en la casa del Temple y ese mismo día se hizo monja.

Kaija Saariaho se relaciona con el poema “La vida es breve” estando en Francia en los años 80′ mientras estudiaba técnicas relacionadas con computadoras y análisis espectral en la música electroacústica.

Kaija pensaba que no podría escribir una ópera pero una vez convencida y frente a los manuscritos originales de Jaufré comenzó una obra llamada “Lonh” en 1996; una pieza para soprano e instrumentos electrónicos.

Aquí un video del performance realizado por Robyn Driedger-Klassen como soprano
y Will Howie en instrumentos electrónicos en 2012.

https://www.youtube.com/watch?v=F1AQIG1mGKE

En 1999 decide terminar de escribir la ópera L’Amour de Loin y convoca al escritor libanés Amin Maalouf para ayudarla con el libreto y terminar de desarrollar la idea de ese amor imposible. En el año 2000 finalmente estrena la ópera en Salzburger Festspiele.

Los diarios más importantes de Estados Unidos titulan la presentación en el Metropolitan Opera de Nueva York de L’Amour de Loin no desde la mirada de la obra sino desde la mirada de genero, pero Kaija deja en claro que ese no puede ser el único tema de conversación.

“Es algo ridículo, siento que deberíamos hablar de mi música y no de que yo sea una mujer”  Kaija Saariaho para una entrevista con la NPR

Al parecer la noticia sigue siendo que ella sea mujer y presente una ópera en el Metropolitan Opera de Nueva York después de 113 años de que ninguna mujer halla presentado una ópera allí.
Es que en realidad esa es una noticia que tiene una historia subyacente y que el enunciado: “la última vez que el  Metropolitan Opera de Nueva York presentó una obra escrita por una mujer fue hace 113 años” sólo muestra un pequeño fragmento de lo que esto significa.

La obra de Kaija Saariaho toca un tema sumamente conocido en el ámbito de la ópera el amor y la muerte, sin embargo decide abordarlos desde un ángulo completamente diferente.

“Hablo de la mentalidad de estos personajes. ¿Qué significa amar a alguien?, ¿Realmente amamos a otra persona, o amamos nuestra idea del amor? Y, entonces, sobre la muerte: ¿Qué nos sucede cuando perdemos a alguien a quien amamos?”

En los últimos años en el Metropolitan Opera de Nueva York, más conocido como Met, se han presentado un modesto número de óperas minimalistas  de la mano de compositores como Philip Glass, John Adams y Nico Muhly; que de alguna forma, a intervalos, hacen uso de la experimentación con sonido.

Pero Kaija Saariaho  tiene en su haber una marcada tradición vanguardista y de música electroacústica. No es sólo mujer, es una mujer que trabaja con sonidos experimentales en un mundo donde la música clásica es todavía “blanca, masculina y patriarcal” como dice la compositora Olga Neuwirth.

“Cualquier organización que desee afrontar el desequilibrio de género se verá obligada a hacerse más moderna, como lo ha hecho el Met. El pasado será siempre un reino dominado por los hombres, por no hablar de un modelo casi exclusivamente blanco. El presente, por el contrario, está lleno de diferentes caras y voces diferentes. La desolación del momento político actual, con su repulsivo auge de la retórica misógina y racista, debería hacer más urgente ese proyecto de modernización”. Escribe el crítico Alex Ross en el New York Times de la semana pasada.

L'amour de loin presentación MET 2016. Foto: Nicola Frank Vachon

L’amour de loin presentación MET 2016. Foto: Nicola Frank Vachon

En una reseña del periódico New York World en marzo de 1903 aparece el siguiente párrafo:

“Después de una hora de música ultra-moderna, estridente, sin forma, la música apasionada que agita la sangre con el estruendo del bronce, los chillidos de cuerdas, la queja de los vientos; la audiencia en el Metropolitan Opera House clamó por el compositor y contuvo el aliento cuando apareció: una criatura frágil, femenina, con un vestido bastante viejo de seda negra, rosas rojas en el cabello oscuro… era Ethel M. Smyth, una joven inglesa, cuya ópera de un solo acto, Der Wald, acababa de recibir su primera presentación americana.” Archivos del Metropolitan Ópera acerca de la única presentación de una ópera realizada por una mujer.

Ethel Smyth no fue cualquier compositora. Nacida en 1858 era una gran activista, miembro activo del movimiento de sufragio femenino (fue la compositora de la famosa “Marcha de las Mujeres” himno del sufragio femenino). Irónicamente su música fue considerada “muy masculina” para una compositora mujer.

“La música de Smyth rara vez era evaluada simplemente como la obra de un compositor entre compositores, sino como la de una ‘mujer compositora’. Esto hizo que se mantuviese al margen de la profesión, y junto con el doble estándar de la estética sexual, también la colocó en un doble vínculo. Por un lado, cuando compuso música poderosa y rítmicamente vital, se decía que su obra carecía de encanto femenino. Por otro, cuando produjo composiciones delicadas y melodiosas, fue acusada de no estar a la altura de las normas artísticas de sus colegas varones.” Eugene Gates – Damned if you do and Damned if you don’t: sexual aesthetics and the music of dame Ethel Smyth –  Journal of Women music 2006

Aquí un archivo de la BBC de 1937 donde la voz de Ethel Smyth cuenta su encuentro con el Kaiser, y la lucha para conseguir poder terminar su ópera Der Wald. La ópera que finalmente se estrenó en el Met en 1903.

Estamos en el 2016 y las reseñas siguen sonando como en el 1903.

“Un acompañante que tocaba en una audición me preguntó cuándo iba a llegar el compositor y cuando le dije que yo era el compositor, él dijo: ‘Oh, esta música es muy linda’. Tuve una crítica que llamó a la música ‘suave’. Son pequeñas cosas en las que  el lenguaje de género no es algo tan evidente como ‘Esta persona no está calificada porque es una mujer’. Pero hay dos lado. En un la pregunta es: ¿La gente te trata de manera diferente porque eres una mujer? Por otro lado es: ¿Es el acceso diferente para usted, porque usted es una mujer? Eso es definitivamente cierto”.  Kamala Sankaram en una entrevista con el New York Times

¡Cuántas reseñas resuenan en mis oídos similares a las de Ethel Smyth! Me he topado con descripciones acerca de cómo soy y cómo es lo que hago en los que he encontrado referencias a mi persona como “minúscula”, “sombría”, “oscura”, “extravagante” adjetivos que no entran de lleno en la descalificación pero que de alguna manera son incómodos. Muchas veces me he encontrado con que no “encajo” incluso en lugares donde supuestamente debería hacerlo.

“El mundo clásico ha sido muy duro con las mujeres. Simplemente no nos toman en serio de la misma manera. Hay ciertos procedimientos en la tradición de Europa Occidental que son muy respetados, y mi música ofrece otra manera de hacer cosas que es tan rica y poderosa, pero es un conjunto diferente de procedimientos. Sé que a veces la música no se ha tomado tan en serio como debería, porque la meticulosidad de ella y la complejidad de ella no es tan evidente.
Una vez estaba trabajando con un coro, y les di mis partituras y me dijeron: “Oh, podemos leer esto, esto es tan fácil.” Y yo le dije, “ve por ello.” Y entonces, cuanto más intentaron cantar, más se dieron cuenta lo difícil que era. La superficie parece muy simple, pero en realidad es muy compleja y muy complicada “.
Meredith Monk

Sin embargo aunque comparto gran parte de las situaciones aquí mencionadas, retomo el pensamiento de Kaija Saariaho: Es algo ridículo, siento que deberíamos hablar de mi música y no de que yo sea una mujer”

¿Cuándo dejamos de ver la obra para sólo centrarnos en el género (masculino o femenino)? ¿Es posible separar las aguas y analizar la obra sin analizar el lugar de la mujer en el arte? ¿Somos capaces de despojarnos de esa coraza que de alguna forma nos protege en un mundo: blanco, masculino y patriarcal?

Vuelvo a la obra de Kaija Saariaho que habla como tantas otras del amor y la muerte y pienso que no, no podemos despojar la obra del artista. Nuestra mirada del amor y de la muerte es distinta que la de los hombres. Por eso esta ópera es tan especial. Del amor ya se habló, de la muerte también; pero en esta obra el amor imposible de un hombre es interpretado por una mujer. El poema toma otra dimensión, otro desafío.

Regreso al verso de Jaufré Rudel de Blaye y coloco al lado uno de Alfonsina Storni:

“Te ando buscando amor que nunca llegas,
te ando buscando amor que te mezquinas,
me aguzo por saber si me adivinas,
me doblo por saber si te me entregas.”

En el año 2008 el Bergen National Opera y el Festival Internacional de Bergen (Noruega) presentaron una producción de L’amour de loin realizada por los artistas Michael Elmgreen e Ingar Dragset quienes crearon una película de animación en lugar de un escenario. Aquí el trailer de la película.

https://www.youtube.com/watch?v=eGIm3z0qZuU

L’amour de loin se presenta en el Metropolitan Opera de Nueva York del 1 de diciembre de 2016 al 29 de diciembre de 2016. En muchos cines al rededor del mundo se podrá ver la ópera completa en HD (aquí para consultar más información )

La obra compuesta por Kaija Saariaho, tiene como diseñador de sonido a Mark Grey uno de los diseñadores de sonido más conocidos en el mundo operístico.

 

(Para la realización de este artículo se tomaron como fuentes artículos del : New York Times, NPR, New Yorker, Archivo del Metropolitan Opera de Nueva York, Archivo de la BBC)




Eso es de lo que se trata la radio

Una vez por semana escucho radio o busco podcast que escuchar. La tarea no es fácil pero me gusta.
Suelo hacer este trabajo por la mañana, con la mente semi-despierta la búsqueda resulta distinta.


En esta ocasión el programa que estoy escuchando es algo que esperé como una niña a la espera de navidad.


La BBC Radio3 se encuentra realizando una serie de programas dedicados a compositores: una semana, un compositor. El programa es conducido por Donald Macleod  un particular presentador de la BBC Radio 3 quien desde 1999 (el programa se lanzó el 2 de agosto de 1943, lleva 70 años al aire, el primer compositor elegido fue Mozart)

Macleod es particular porque no es ni músico, ni compositor (como suele ocurrir en este tipo de programas) su mirada se encuentra del lado del oyente, del presentador que justamente hace esa labor presenta el trabajo de otros, como quien abre la puerta para ir a jugar.

“No es mi trabajo decirle a gente qué pensar acerca de la música. Estoy ahí para pintar cuadros – eso es de lo que se trata la radio –  menudo se parte de una imagen visual. El primer guión que escribí fue acerca de Edvard Grieg. Descubrí que él siempre llevaba en su bolsillo, una pequeña rana de piedra como amuleto de buena suerte. Pensé que era una imagen encantadora, así que comencé su historia desde allí.”

Esta semana fue esperada por mí, Macleod no habló con cualquier compositor, sino que Ella fue su invitada.
Ella con su sonrisa, su pequeña estatura, sus trenzas, sus faldas y botines.

Meredith Monk y Donald Macleod

Ella está más allá de los premios, forma parte de la historia de la música experimental vocal y de las artes performativas de nuestro tiempo.

Esta semana por una semana la BBC Radio 3 emitirá una serie dedicada a su trabajo con una entrevista incluida The Magician of the Voice.
Como nunca sabemos por cuánto tiempo la BBC nos dejará escuchar libremente este programa. Recomiendo sintonizarlo durante toda la semana he ir descargando los podcast. Es de esas joyas para escuchar una y otra vez.

meredith-monk-radio-3

Para escuchar haga click en la imagen.

 

El programa pertenece y es una producción íntegra de Donald Macleod para BBC radio3




La mujer sin cabeza. Still Alive!

El artículo de The Guardian de ayer corrió como pólvora Why women are asking a major art and technology festival to #KissMyArs

Es que uno al leerlo no puede quedar indiferente. Entiendo que se repite el discurso una y otra vez y ya parece mas un mantra que un discurso. Pero la verdad es que hay momentos en que alguien se pone a escribir acerca del tema y es imposible no sentirse tocada.

Ya hace unos meses publicaba en este blog una serie de infografías acerca de la participación de las mujeres este año en festivales de música principalmente electrónica; el artículo se titula “Mujeres y sonido. Los números cambian pero…” . Allí con mi desconfianza frente a las estadísticas pregonaba:

“Mirando desde ésta perspectiva el tema de visibilidad se torna complejo, dentro de grandes festivales que se encuentran en serios aprietos financieros parecería ser que este año las mujeres tenemos una mayor visibilidad.

¿Qué nos dice todo eso?”

Lo peligroso de repetir el discurso de la poca visibilidad de las mujeres en las artes y las tecnologías es que se convierta en un mantra; algo que se repite sin entender la esencia. ¿Pero quién entiende la esencia del asunto?

Como bien señala el artículo de The Guardian ayer 12 de septiembre finalizó la entrega de premios de uno de los festivales más grandes acerca de artes y nuevas tecnologías el “Ars Electrónica” en el cual participé en más de una ocasión y nunca quedé seleccionada. Pero no achaco esa no selección de mis trabajos a que soy mujer, sino a que el festival tienen una visión bastante miope, a mi entender, de lo que es la tecnología de vanguardia.  Por una parte mezcla en una misma categoría Digital Musics and Sound Art; performance, esculturas sonoroas, HiHop, Jazz, radio arte, net music, composición por computadora. Teniendo en cuenta que los otros premios abarcan lugares más específicos.

  • Sound and New Media (audio visual performance, sonic sculpture, intermedia / video / film soundtracks, installations, soundspace projects, radio works, net-music, generative music, etc.)
  • Electronica- as in Dub, Techno, Microsound, Ambient, Global, Minimal, HipHop, Jazz, Noise, Downtempo, Drum’n Bass, Mondo/Exotica, digital DJ-culture, Mash-ups, Music videos, Glitch, Plunderphonics etc.
  • Computer compositions (algorithmic, acousmatic and experimental), analog and electro-acoustic methodologies, the use of voices and acoustic or amplified instruments are allowed as well, but the crucial criterium is the artistic and inventive use of digital tools to manifest a convincing realization.

Pero esa es mi opinión y por eso dejé de presentar mi trabajo, por lo menos hasta que no realice uno que crea que vaya con esos criterios; aunque el lema tampoco me convence del todo.

The crucial criterion is the artistic and innovative use of digital tools to manifest a convincing realization.

(El criterio fundamental es el uso artístico e innovador de herramientas digitales para manifestar una realización convincente)

Pero regresemos a la nota. En los últimos 29 años de historia de los premios de Ars Electrónica 9 de los 10 premios Nica de Oro (esto es como el Oscar de oro de los Ars Electrónica) fueron entregados a hombres. A partir de que salieron a la luz éstos resultados la artista Heather Dewey-Hagborg y la artista experimental Addie Wagenknecht junto con otros artistas armaron la campaña bajo el hashtag #KissMyArs.

Más allá de las controversias que esto ha generado y que se mencionan en el artículo, lo interesante es un punto fundamental que hace Addie Wagenknecht cuando relaciona el sesgo de género con la dorada figura de la estatuilla de los premios de Ars Electrónica. Si uno mira al pasar son como los Oscar pero formato mujer un poco idealizada y con alas, si uno mira con más detenimiento resulta que además ¡le falta la cabeza!

Estúpido o no, este simple hecho llamó muchísimo mi atención, nunca me había fijado en que a la estatuilla le faltaba la cabeza. Convengamos que las estatuillas de los premios coinciden en ser bastante feas, salvo las que uno tiene que pagar para ganársela; pero esos suelen ser en ámbitos radiofónicos que no vienen al caso.

No sé si es una metáfora exacta como dice Addie Wagenknecht de lo que ocurre con la entrega de dichos premios pero mirando los números se le acerca bastante.

 Nica de Oro Prix Ars Electrónica

Nica de Oro Prix Ars Electrónica

Pero no me quiero centrar en una metáfora. Paso a otro artículo que en este momento me llega más de cerca.

Una encuesta desarrollada por la asociación IGDA (International Game Developers Association) publicada el pasado mes de junio de 2016 revela que los hombres realizando la misma labor que las mujeres tienen la posibilidad de cobrar tres veces más por su trabajo.

Se encuestó a  3.000 personas que trabajan en el desarrollo de video juegos. Entre los que respondieron, el 75% eran hombres, 23% mujeres y un 2,5%  se identificaron como transgénero u “otro”.

Por otra parte la encuesta encontró que sólo alrededor de un tercio de los empleadores ofrecer  licencia pagada de maternidad.


El 77% de las mujeres encuestadas afirmó haber  tenido algún tipo de falta de equidad en su lugar de trabajo en comparación con el 38% de los hombres. El 44% informaron que experimentaron microagresiones (definidas como humillaciones verbales, conductuales y ambientales) en comparación con el 9% de los hombres.


Cuando digo que me toca de cerca es porque me identifico, hace no mucho en un propuesta laboral para un diseño de sonido al cual pasé un presupuesto se me preguntó que cómo era posible que yo cobrara más que un hombre.

Pocos días antes de leer esta nota se me propuso participar con la realización exclusiva de una pieza de experimentación sonora en un festival, aunque se me aclaró que no tenían mucho presupuesto envié una propuesta de pago (ya que creo firmemente que el trabajo de cualquier persona debe tener una remuneración) a lo que se me contestó que aunque lo que yo exigía no era muy elevado primero se daría prioridad a organizar otras instancias del festival (más exposiciones) y que si sobraba aún así sería imposible pagarles a todos los artistas y que por equidad era mejor no pagarle a ninguno – aunque en este festival no estaba implícita la diferencia de género, me puso a pensar en el porqué me habían elegido a mí para dicha propuesta.

De que hay una brecha la hay, se nota en el trabajo cotidiano, se nota también que de algo nos estamos perdiendo. La mirada acerca de la tecnología desde la mujer tiene infinidad de matices.

Señoras y señoras hasta el momento no he visto algo más tecnológico que la copa menstrual patentada por Lestkr J Goodard en 1932; evita infecciones, cuida el medio ambiente, interactúa con el usuario, dura 10 años y ahora existe una copa menstrual inteligente que te avisa de los períodos y si tu cuerpo tiene alguna infección y/o enfermedad.

Cumple todos los requisitos del Ars Electrónica, porque si eso no es arte lo cotidiano, yo no sabría decir qué lo es.




Personajes del Sonido: Ruth White

 

Ruth White

Vivió

2 de septiembre 1925-26 de agosto de 2013

Nacionalidad

Estadounidense

Comienzos

Ruth White estudió música y composición en la Universidad  Tecnología de Carnegie en Pensilvania. Así mismo tuvo formación clásica en piano, violín, chelo, arpa, clarinete y tuba.

Escribió su primera composición a la edad de 8 años y desde los 15 años publicó un flujo constante de grabaciones.

Comenzó estudios formales de composición con Nikolai Lopatnikoff en la Universidad Tecnología de Carnegie donde recibió su BFA y MFA de piano y composición musical.

En 1951 recibió el reconocimiento por su talento al ganar el 1° premio de composición de la National Society of Arts and Letters.

Trabajos destacados

Su primer  grabación se realizó en 1954, cuando Ruth White se asoció con el realizador Paul Burnford para crear una banda sonora y un manual de enseñanza para el film “Rhythms of the Freight Yard”.

En 1955 Ruth White funda la editorial Rhythms Productions®. Su primera incursión en grabaciones de música popular fue “Rhythm Instruments; With Folk Music From Many Lands”.

En 1965  publica “Motifs For Dance Compositions” y continúa su experimentación con la música electrónica y en 1966 publica el álbum “Music For Contemporary Dance Volume 1” y al año siguiente “Music For Contemporary Dance Volume 2”. Ambos lanzamientos se encuentran entre los más destacados de la música electrónica combinada con sonidos clásicos y étnicos, así como sonidos electrónicos y poesía.

1967 también lanza “Adventures In Rhythms” Volume 1 and 2”  El cual está diseñado con fines educacionales. Mediante el uso de cuentos y poemas se presentan una variedad de actividades rítmicas a través de las cuales los niños pueden expresar sus ideas creativas acerca del movimiento y el sonido.

En 1968 es comisionada por el coreógrafo Eugene Loring para crear la música para la actuación titulada “Seven Trumps from the Tarot Card and Pinions”. La obra es un éxito a tal punto que el diario Los Angeles Times describe el sonido de la obra como “una puntuación muy emocionante”

En 1969 sale a la luz una de sus obras más importantes “Flowers of Evil” con piezas de música experimental basadas en los poemas de Charles Baudelaire.

Innovaciones

Sus primeros trabajos “Seven Trumps From Tarot Card and Pinions” (1968), “Flowers of Evil” (1969), y “Short Circuits” (1971) muestran diversos usos del sintetizador Moog así como de diferentes instrumentos electrónicos.

¿Sabías qué…

Aunque una gran parte de su carrera estuvo dedicada a la realización de grabaciones educativas y materiales de enseñanza, es conocida por ser una de las pioneras de música electrónica, por sus experimentaciones con sonido desde muy temprana edad y por la utilización del sintetizador Moog como una de sus principales herramientas de composición.

Desde sus comienzo la editorial Rhythms Productions® fue pionera en su campo, a la cabeza con productos innovadores y de aprendizaje a través de programas de música.

*Esta entrada fue originalmente escrita para el sitio Wikipedia por Sol Rezza 2016

Para leer completa la entrada en Wikipedia:https://es.wikipedia.org/wiki/Ruth_White_(compositora)

https://www.youtube.com/watch?v=0p-1YibE_KQ




Personajes del Sonido: Janet Cardiff

Janet Cardiff

Vive

15 de Marzo de 1957

Nacionalidad

Canadiense

Comienzos

Nació en una pequeña granja en Ontario, Canadá. En 1983 obtuvo una maestría en la Universidad de Alberta; mientras estudiaba allí conoció a George Bures Miller, quien se convertiría en su marido y colaborador. Los primeros pasos de la formación de Cardiff se encuentran en artes como la fotografía y el grabado. Sus primeros trabajos fueron serigrafías de gran escala.

Trabajos destacados

Su primera pieza de sonido fue  realizada en 1991 bajo el título “The Whispering Room”.  La obra consiste en un espacio oscuro equipado con 16 altavoces pequeños montados sobre soportes metálicos. A partir de cada altavoz se escucha una voz femenina, a veces conversando con otra persona, que describe los eventos o acciones desde varios puntos de vista; observacional, experimental, pasado, presente y futuro. Cuando los visitantes se mueven a través del espacio y las voces se activan una proyección de una niña en el bosque durante 30 segundos y luego se apaga.

Innovaciones

Dentro de sus obras más conocidas en solitario se destacan sus obras basadas en caminatas realizadas en audio. Su primera obra con esta temática fue creada un poco por casualidad durante una residencia en el centro de arte de Banff en 1991. En 1996, se le pidió que crear una pieza específica para ser expuesta en los jardines del Museo Louisiana en Dinamarca.  Desde entonces, ella ha creado diversas obras basadas en caminatas. El formato de paseos de audio es similar a una audioguía donde se escucha la voz de Janet dando instrucciones tales como: “gire a la izquierda” mientras el oyente es capaz de escuchar el sonido de los pasos de Janet Cardiff a través de sus auriculares, el paisaje sonoro del tráfico, los pájaros y diversos sonidos pre grabados que han sido registrados en el mismo sitio donde se encuentra el oyente. Esta es la parte importante de la obra. El paisaje sonoro pre grabado tiene la finalidad de imitar el paisaje sonoro que vive el oyente en ese instante con el fin de crear una obra de la combinación perfecta de los dos paisajes sonoros.

¿Sabías qué…

En el año 2001 reproduce la obra  “Spem in Alium” de  Thomas Tallis dándole un giro completamente diferente haciéndola contemporánea y a la vez recreando las sonoridades del pasado. Coloca 40 altavoces distribuidos en 8 grupos, cada altavoz reproduce una grabación de una voz cantando Spem in Alium, lo que permite a la audiencia a caminar a través del espacio y mostrando las voces individuales de la música vocal polifónica. Este trabajo es ahora parte de la colección permanente de la Galería Nacional de Canadá en Ottawa, Ontario, Canadá.

https://www.youtube.com/watch?v=rZXBia5kuqY

 




Mujeres y sonido. Los números cambian pero…

El tema se volvió un tema de conversación y ahí podríamos ver un punto a favor o no porque un tema de conversación es solo eso, un tema. A veces pienso que con las mismas personas con las que hablo acerca de la equidad de género podría estar hablando del clima y coincidiríamos casi en las mismas frases.

Es cierto que hay un  pequeño pequeñísimo cambio respecto a cómo se ve a las mujeres dentro del ámbito de la música y las artes sonoras, un cambio mucho más pequeño respecto a las tecnologías y la ingeniería en audio. Pero ahí están los cambios y hay que reconocerlos para poder avanzar desde allí.

No es que cada vez haya más mujeres ejerciendo este tipo de oficios sino que últimamente se les ha dado y se han dado por sí solas visibilidad.

Sin embargo me parece que el tema sigue estando incompleto. La industria de la cultura y las artes no ha bajado uno o dos escalones en la escala económica este año 2016, ha bajado por lo menos diez.

La mayoría de los artistas/festivales que se encuentran subvencionados de alguna forma por concursos/becas y demás están sufriendo arduamente día a día para poder cobrar.

El artista/profesora/curador/organizador se ha convertido en una especie de cobrador a domicilio, es lo primero que hace al levantarse y lo último que piensa antes de ir a dormir; lejos de la posibilidad de creación y esparcimiento que deberían producir dichos incentivos. Aquí la equidad de género se cumple a raja tabla.

Mirando desde esta perspectiva el tema de visibilidad se torna complejo, dentro de grandes festivales que se encuentran en serios aprietos financieros parecería ser que este año las mujeres tenemos una mayor visibilidad.

¿Qué nos dice todo eso? (no tengo una respuesta a esta pregunta me parece que se necesita un debate más abierto)

Sigo de cerca al colectivo Female:pressure que diariamente trata este tipo de temas (y otros) a través de su lista de correo. Hoy, por medio del colectivo, me llegó una nota de la revista Thump titulada “We Crunched the Numbers and Electronic Music Festivals Still Have a Gender Equality Problem” escrita por

En la nota Rodney Hazard y Anelisa Rosario se tomaron el trabajo de realizar distintas gráficas visibilizando los números. Me parece interesante compartir dichas gráficas porque muestran de manera clara un pequeño paso que hace visible un gran atraso y que me deja pensando acerca de cómo históricamente se suelen dar estos cambios en cuanto a la equidad de género y en qué contexto económico y social suelen aparecer.

 

 

Todas las gráficas pertenecen a Thump




Personajes del Sonido: Teresa Rampazzi

 

Teresa Rampazzi

Vivió

31 de octubre de 1914 – 16 de diciembre de 2001

Nacionalidad

Italiana

Comienzos

Nació en Vicenza, Italia, allí estudió piano desde niña con un profesor particular, continuando sus estudios en el Conservatorio Giuseppe Verdi en Milán donde obtuvo el diploma en composición. Vivió en Verona, Italia y en 1956 se mudó con su marido a Padua donde formó parte del Trío Bartók (Elio Peruzzi: clarinete, Edda Pitton: violín, Teresa Rampazzi: piano) y decidió promover la música de vanguardia de Anton Webern y Alban Berg . Entre 1956 y 1960 también formó parte del ensamble de música Circolo Pozzetto.

Rampazzi desarrolló un interés en el avante-garde. En los cursos internacionales de verano de música contemporánea Internationale Ferienkurse für Neue Musik fue donde escuchó por primera vez los experimentos electrónicos realizados por Herbert Eimert.

Trabajos destacados

Su primera pieza de música por ordenador With the light pen 1976 obtuvo una mención especial en el Concurso Internacional de Música Electroacústica en Bourges (Francia).

Basada en un fragmento de Heráclito en 1980 su pieza Atmen noch gana el Segundo Premio en el VIII Concurso Internacional de Música Electroaoustique de Bourges.

Innovaciones

En 1965 funda junto al artista y diseñador Ennio Chiggio el Grupo N.P.S (Nuevas Propuestas Sonoras) en el cual trabajó con equipo análogo y se convirtió en uno de los principales estudios de investigación privada de música, junto al S2FM de Pietro Grossi y al Studio di Musica Elettronica di Torino SMET. El N.P.S estaba operando en la estela del famoso Gruppo N, al cual pertenecía Ennio Chiggio, fundado por Alberto Biasi y Manfredo Massironi donde se consideraba el arte como un producto colectivo y anónimo.

“Un grupo de diseñadores experimentales unidos por la necesidad de buscar colectivamente”

Los artistas del grupo reconocen los nuevos materiales en la máquina y los medios de expresión de la “nueva técnica” en la que no puede haber separación entre la arquitectura, la pintura, la escultura y el producto industrial. El Gruppo N se centra en la investigación visual y cinética, que se relaciona con la psicología de la percepción, el objetivo de la creación de objetos y ambientes que involucran al espectador.

¿Sabías qué…

En 1959 conoce a John Cage y decide dejar atrás la música tonal y la forma de música tradicional. Por esa época vende su piano en circunstancias curiosas: una leyenda dice que ella lo destruyó durante una actuación con John Cage.

 

*Esta entrada fue originalmente escrita para el sitio Wikipedia por Sol Rezza 2016

 

Para leer completa la entrada en Wikipedia:https://es.wikipedia.org/wiki/Teresa_Rampazzi




7 Libros de sonido en Creative Commons

El post “10 libros de sonido en Creative Commons” es todo un éxito, tanto así que muchas personas me han escrito para preguntarme si escribiría un post similar. Bueno, me dí nuevamente a la tarea de buscar entre el sin fin de libros, artículos y escritos acerca de sonido que guardo en distintos DVDs y rescatar los que me parecen más interesantes.

En esta nueva entrega “7 libros de sonido en Creative Commons”.

Lamentablemente las restricciones de copy rigth hacen del  “compartir” a través de Internet una dificultad. Sin embargo existen muy interesantes artículos y libros que se encuentran bajo licencias Creative Commons y que vale la pena difundir.

Esta es una segunda pequeña selección de libros acerca de sonido, radio arte, arte sonoro y audio que me parecen interesantes y que se encuentran bajo licencia Creative Commons, por lo que usted puede descargarlos y compartirlos a su vez.

Quiero aclarar que la idea no es acumular escritos, sino tener los escritos y leerlos; el fenómeno de acumulación de descargas digitales en esta época está al alcance de la mano. Pero cualquier escrito necesita ser leído para cumplir con su función. Recomiendo descargar los que son de tu interés y una vez termines de leerlos puedes regresar a la página cada vez que quieras y descargar más.

Igual comparto links de cada uno de los libros y el link con todos los libros juntos.
Para descargar elegir la opción de MEGA “descargar a través de su navegador”

Recuerda que si vas a compartir el material o parte del material citar el autor (que el trabajo se encuentre bajo licencia creative commons no le quita la autoría al escrito).

1.Título: Murmur
Autor: Ben Byrne
Idioma: Inglés
Año: 2012
Páginas: 187
Resumen: Es una tesis muy completa realizada por Ben Byrne acerca del fenómeno sonoro en todas sus formas. El recorrido que examina desde la perspectiva física del sonido, los inventos tecnológicos entorno al sonido en distintas épocas; y la multiplicidad de miradas entorno al fenómeno sonoro. Ben Byrne asocia las distintas perspectivas de análisis del sonido con la cantidad de voces que conforman un murmullo.
Descarga: Murmur -Ben Byrne 2012.pdf

2.Título: Azar, indeterminación y multiplicidad
Autor: Joseph W.Branden
Idioma: Español
Año: –
Páginas: 27
Resumen: Un escrito muy completo analizando el tema de azar en las obras de arte, principalmente en el ámbito sonoro. Teniendo en cuenta diversos autores pero siempre centrándose en la indeterminación de John Cage.
Descarga: Azar, indeterminación y multiplicidad- Joseph W.Branden. pdf

3.Título: Making Spaces: Feminist Contexts in Sonic Arts
Autor: Holly Igleton
Idioma: Inglés
Año: 2005
Páginas: 44
Resumen: Un texto que explora las posibilidades de combinar los conceptos de feminismo y postfeminismo con con la tecnología entorno al sonido. Las formas en las que el uso del ruido y la música puede ser utilizado para crear la ilusión de la voz perfecta y cómo esto puede ser utilizado como un método de acondicionamiento cultural. Un enfoque feminista y una reevaluación de la música y la tecnología dentro del campo de música electroacústica y el arte sonoro.
Descarga: Making Spaces: Feminist Contexts in Sonic Arts – Holly Igleton 2005.pdf

4.Título: Arte Electrónico entornos cotidianos
Autores: Rodrigo Alonso, Juan Canela, Vanina Hofman, Federica Matelli, Luis Negrón, Juan Orozco, Consuelo Rozo
Idioma: Español
Año: 2007
Páginas: 57
Resumen: El libro es compendio de diversos textos entorno a la utilización de la tecnología y el arte. Estos escritos rescatan la importancia de proceso creativo con instrumentos electrónicos; trazando un mapa de la situación de estas prácticas en el contexto del arte contemporáneo.
Descarga: Arte Electrónico entornos cotidianos -Autores varios 2007.pdf

5.Título: Fundamentals of Acustics and Noise Control
Autores: Finn Jacobsen, Torben Poulsen, Jens Holger Rindel, Anders Christian Gade and Mogens Ohlrich
Idioma: Inglés
Año: 2011
Páginas: 180
Resumen: Este libro es muy completo y recorre los conceptos fundamentales acerca de la acústica, desde lo elemental, pasando por las formas de escucha, el análisis del sistema auditivo, la acústica de espacios, tipos de materiales de absorción, etc.
Descarga: Fundamentals of Acustics and Noise Control- Autores varios-2011.pdf

6.Título: El documental sonoro una mirada desde América Latina
Autor: Karla L. Lechuga Olguín
Idioma: Español
Año: 2015
Páginas: 151
Resumen: Una tesis que aborda el genero del documental sonoro desde distintas perspectivas, con una visión muy particular y detallada que tiene como eje principal el contexto Latinoameicano.
Descarga: El documental sonoro una mirada desde América Latina – Karla L. Lechuga Olguín 2015.pdf

7.Título: Beyond the visual: applying cinematic sound design to the online environment
Autores: Mark Ward, Linda Leung
Idioma: Inglés
Año: 2008
Páginas: 14
Resumen:  Este es un interesante artículo acerca del diseño de sonido para medios digitales en Internet. Pertenece al libro Digital Experience, pero lamentablemente solo este artículo es posible de ser compartido en la web, ya que el resto de la publicación que contiene artículos de diversos autores se encuentro bajo criterios de copy rigth
Descarga: Beyond the visual: applying cinematic sound design to the online environment – Mark Ward, Linda Leung 2008.pdf

 

-Aquí el Link que contiene los 7 libros juntos-

 

 

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Entre radio convencional y sonidos del más allá.

Los animales de poder, chamanismo,  dimetiltriptamina, trepanación – se trata de un programa de entrevistas, o un freakout extraterrestre? Nadie lo sabe.”

En principio uno sale como disparado a otra dimensión. Los sonidos están delicadamente elegidos. Un juego entre entrevistas y sonido. Entre radio convencional y sonidos del más allá. Mujeres participando en un amalgama de sonidos, mujeres hablando de ser mujeres, mujeres hablando de sonidos, mujeres y tecnología. Pero no se trata de mujeres: se trata de sonidos.

Lucifer Over London entrevistando a la artista sonora Dr Linda O Keeffe

De esas cosas para escuchar en una mañana simple como ésta.

Este programa pertenece y es una producción íntegra de NTS radio.


 




Proyecto silencio

Me gustó la propuesta de la artista finlandesa Nina Backman quien en un performance que se titula “The silence meal nos propone justamente eso: sentase a comer en silencio.

The silence meal es una experiencia culinaria performativa que gira alrededor de los sentidos y el silencio. La comida sigue una trama específica y se abre oficialmente cuando la artista se sienta a la mesa.
Asistir a los rituales de una comida de una manera que es libre de distracción verbal, la comunalidad de silencio trae consigo una intensidad única para la ocasión.
Por lo tanto, en la eliminación de los ingredientes de la palabra hablada, los huéspedes son libres para explorar una gran variedad de experiencias sensoriales que pueden ser a la vez la naturaleza física, emocional, espiritual o cultural. A través de estar en compañía de la propia voz de uno, el silencio de las comidas presenta a sus huéspedes la oportunidad de observar lo que surge en su lugar de interacción tácita.
Cada comida, al ser una constelación única, está documentada en una variedad de maneras, incluyendo a través del film, la fotografía y el sonido. Entrelazar las huellas dejadas por las diferentes comidas hace de esta experiencia un collage de sensaciones”.

Este performance se encuentra enmarcado en un proyecto denominado “Silence Project” que reúne a distintos artistas independientes con entidades culturales y sociales para estudiar, compartir y experimentar con el concepto del silencio en relación a las nuevas realidades urbanas.

“Tenía curiosidad de saber si el silencio natural ‘nórdico’ que conozco de Finlandia puede transferirse al espacio urbano. Quiero saber dónde y cómo en el mundo la gente encuentra el silencio”.

Este proyecto está inspirado en el concepto tradicional finlandés de “libertad para deambular” o jokamiehenoikeus “derecho público de libre tránsito en la naturaleza” un concepto que se originó a finales de los años 40’ para facilitar a los habitantes de las urbes tener contacto con la naturaleza. Este derecho permite el libre acceso a los bosques, el medio acuático y el derecho de recolectar productos naturales, independientemente de la propiedad de la tierra, transitar y pernoctar en propiedad privada. Junto al derecho se incluye la exigencia de respeto y cuidado tanto hacia la naturaleza como a la vida animal, así como hacia los propietarios y otras personas presentes. Todos los países nórdicos comparten esta visión. Un derecho que simboliza la esencia de la cultura nórdica, a saber, la estrecha relación con la naturaleza donde el silencio y el espacio es omnipresentes.

Como un programa de exposiciones “Silence Project” examina cómo la experiencia finlandesa del silencio y el espacio ha llegado a dar forma a la cultura, así como las identidades individuales. En un momento en que las mega-ciudades, la disponibilidad de espacio libre, y por lo tanto el silencio está disminuyendo hasta casi convertirse en un lujo.

“Silence Project” tiene como objetivo facilitar las iniciativas con las que conservar y transmitir el inicio del “Espacio de oasis y silencio” en el entorno urbano: la creación de islas donde surjan las ideas y la creatividad florezca – refugios alejados de la sobre estimulación de la sociedad moderna.

No me encuentro en Finlandia y a pesar de que vivo en un pequeñísimo pueblo a orillas de un lago tanto la sociedad de la que vengo como en la que me encuentro están apabulladas de sonidos. No me molesta, he aprendido a convivir con ellos, incluso resisto bastante en las grandes ciudades aunque me canso de sobremanera visual y auditivamente. Mis oídos se cansan, mi cabeza se nubla.

La gata se sienta a mirar por la ventana durante horas, bosteza y vuelve a mirar. En silencio completo (casi siempre, si no se da cuenta que la estoy mirando).

Un oasis de silencio, en cualquier espacio. Comer en silencio para despertar los demás sentidos. No sólo tener el derecho de caminar libremente en la naturaleza, tener derecho al silencio; también abrir la posibilidad de que permitirnos hacerlo,practicar el silencio.

Cada uno tiene su oasis, su posibilidad de oasis de silencio. Aprovecharlo depende únicamente de hacer el intento.

Parte del “Silence project” es una exposición de arte con obras de seis mujeres escandinavas . Pero, ¿cómo mostrar una exposición sobre el silencio?

La islandesa Rebekka Guðleifsdóttir exhibe autorretratos fotográficos que la muestran en el espectacular entorno de su patria.

Marja Helander de Finlandia. Ella toma fotos de lugares sin gente donde el silencio se convierte en el elemento omnipresente del paisaje.

“En realidad, con todos estos artistas el silencio no es sólo el tema de su trabajo, es una condición previa. A medida que lo experimentan, el silencio no es sólo la ausencia de ruido, es una fuente de poder”.